Le 31 août 1945 à Tel Aviv naît Itzhak Perlman

violoniste et professeur de musique israélien. Il est considéré comme l'un des plus grands violonistes du XXe siècle et du XXIe siècle. Formé à la Juillard school par Ivan Galamian, il donne des concerts régulièrement aux États-Unis depuis 1963 au St Louis symphony et au New-York philharnonic. Il a été reçu pour distinctions honorifique le National Medal of Arts décerné par le président des États-Unis Bill Clinton

En Bref

Frappé dès l'âge de quatre ans par la poliomyélite, qui le prive de l'usage de ses jambes, l'Israélo-Américain Itzhak Perlman ne semblait pas promis à une grande carrière musicale. Celle-ci sera cependant, grâce à un style qui mêle avec bonheur la tradition violonistique russe et le goût français, l'une des plus brillantes qui soient, tant à la scène qu'au disque.

Un an après avoir perdu l'usage de ses jambes à la suite d'une attaque de poliomyélite, il commence, à cinq ans, l'étude du violon, et donne à dix ses premiers concerts avec l'orchestre de la radio israélienne. En 1958, grâce à un concours lancé par le producteur Ed Sullivan, il passe à la télévision américaine et gagne une bourse pour continuer ses études à la Juilliard School de New York, avec I. Galamian et D. Delay. Il débute au Carnegie Hall en 1963 avec le premier concerto de Wieniawski et remporte l'année suivante le concours Leventritt, ce qui le fait inviter par les grandes formations américaines, le Philharmonique de New York en tête. Après une rentrée triomphale en Israël, il fait ses débuts européens à Londres, en 1968, avec le London Symphonic Orchestra, et rencontre, lors des concerts d'été de musique de chambre du Queen Elizabeth Hall, D. Barenboïm, J. Du Pré, P. Zukerman et V. Ashkenazy, avec qui il noue des liens musicaux et humains privilégiés.
Une autre amitié, celle d'André Previn, lui ouvre les horizons du jazz : ils enregistrent ensemble plusieurs disques, dont un hommage à S. Joplin. Sur son stradivarius de 1714, Perlman interprète et enregistre les œuvres préférées de ses maîtres, Kreisler, Milstein et, surtout, Heifetz, avec qui il partage un goût immodéré pour les pièces de virtuosité et les concertos fin de siècle, ceux de Korngold et de Conus en particulier. Dans le même esprit, il enregistre en 1982 deux concertos écrits pour lui par R. Starr et E. Kim, des pièces d'un lyrisme sans prétention. Refusant un enseignement officiel et routinier, il dirige volontiers des classes dans les académies d'été américaines, à Aspen, par exemple. Comme Heifetz, Perlman détient le pouvoir de transfigurer le moindre morceau de musique en chef-d'œuvre, grâce à un phrasé d'une grande pureté et à une sonorité rayonnante.

Sa vie

Perlman a contracté la poliomyélite à l'âge de quatre ans, ce qui l'a condamné à marcher avec des béquilles et l'oblige à jouer du violon uniquement en position assise.
Il étudia d'abord à l'Académie de Musique Choulamit de Jaffa avant de partir pour les États-Unis pour étudier à la Juilliard School avec Ivan Galamian. Il fit assez vite ses débuts au Carnegie Hall en 1963.
Par la suite, Perlman voyage beaucoup. Il effectue de nombreux enregistrements, et à partir des années 1970 commence à apparaitre dans des émissions de télévision telles que The Tonight Show et 1, rue Sésame, et joue aussi à maintes occasions à la Maison-Blanche. Entre les années 1980 et le début des années 1990, ses apparitions le mardi et jeudi soir avec l'Orchestre philharmonique de Los Angeles et le récital du mercredi soir "Virtuoso Series" furent de grands moments de la saison d'été du Hollywood Bowl.
En 1987, il s'associe à l'Orchestre philharmonique d'Israël pour ses concerts à Varsovie et Budapest, ainsi que dans d'autres pays de l'Est. Il le rejoint à nouveau en 1990 pour jouer en Chine et en Inde.
Il effectue une solide carrière dans l'enseignement, et donne des cours privés et magistraux de violon et de musique de chambre à travers le monde. Il est actuellement le titulaire de la Dorothy Richard Starling Chair of Violin Studies à la Juilliard School, poste qu'occupait auparavant son professeur, Dorothy DeLay.
Perlman a également joué comme soliste pour de nombreuses musiques de films Fantasia 2000, en particulier des partitions de John Williams, comme celle de La Liste de Schindler, qui a reçu l'Oscar de la meilleure musique de film, et plus récemment en compagnie du violoncelliste Yo-Yo Ma celle de Mémoires d’une geisha. Il joue son propre rôle dans Tout le monde dit I love you de Woody Allen.
Perlman a joué avec de nombreux autres musiciens célèbres. Parmi eux: Yo-Yo Ma, Jessye Norman, et Iouri Temirkanov, à l'occasion du 150e anniversaire de Tchaikovsky; mais aussi Frederica von Stade, Rudolf Firkušný, John Williams, et Daniel Barenboïm.
En plus de jouer et d'enregistrer de la musique classique - l'activité pour laquelle il est devenu célèbre -, Perlman pratique également le jazz et le klezmer. Récemment, il a abordé la direction d'orchestre, au poste de chef invité principal de l'Orchestre symphonique de Détroit.

Vaincre l'adversité

Itzhak Perlman naît à Tel-Aviv, en Palestine, le 31 août 1945. Malgré son handicap, il travaille le violon à l'Académie de musique de sa ville natale avec Rivka Goldgart, qui lui transmet la manière de l'école de Saint-Pétersbourg. Il se produit très vite à la radio israélienne. Isaac Stern est à ce point séduit par les dons de cet enfant de dix ans qu'il l'encourage à poursuivre ses études aux États-Unis. L'adolescent apparaît à la télévision américaine, dans le célèbre Ed Sullivan Show 1958. Il entre à la Juilliard School of Music de New York, où il se perfectionne avec Dorothy DeLay – disciple de Louis Persinger – et le légendaire Ivan Alexander Galamian, lui-même disciple de Lucien Capet, et qui comptera aussi parmi ses élèves Pinchas Zukerman, Kyung-Wha Chung, Sergiu Luca, Jaime Laredo, Michael Rabin...

Les débuts d'Itzhak Perlman ne sont pas pour autant des plus faciles, et il est souvent contraint de jouer pour des raisons alimentaires – à l'instar des grands violonistes du début du XXe siècle – devant les auditoires distraits des hôtels et restaurants. En 1963 cependant, il triomphe au Carnegie Hall de New York ; l'année suivante, il remporte le premier prix au Leventritt Memorial Award et enregistre son premier disque, sous la baguette d'Alfred Wallenstein Concerto pour violon de Tchaïkovski. Le célèbre impresario américain Sol Hurok prend en main sa carrière internationale, qui se développe alors rapidement sans qu'il ait besoin de participer à d'autres compétitions. Les tournées se multiplient, le mènent dans les pays de l'Est européen et poussent jusqu'en Inde et en Chine. Les shows télévisés américains – comme The Tonight Show de la N.B.C. – et la série éducative Sesame Street font appel à celui qui est désormais régulièrement invité par la Maison-Blanche. Il lui arrive de s'adonner au jazz avec Oscar Peterson ou Jim Hall et à la musique klezmer, de tradition juive.

Chambriste convaincu, Itzhak Perlman s'associe avec d'illustres partenaires : les violonistes Isaac Stern et Pinchas Zukerman, les pianistes Jorge Bolet, Martha Argerich, Bruno Canino, Vladimir Ashkenazy et Daniel Barenboim, les violoncellistes Lynn Harrell et Yo-Yo Ma, le guitariste John Williams... Il s'impose dans le grand répertoire concertant avec les chefs les plus réputés : Lawrence Foster, James Levine, Guennadi Rojdestvenski, Zubin Mehta, Seiji Ozawa, Jean Martinon, Carlo Maria Giulini, Bernard Haitink, Erich Leinsdorf, Eugene Ormandy... À partir de 1975, il enseigne au Brooklyn College de la City University of New York.

Une personnalité éclectique

Disposant d'une voix de basse bien timbrée, Perlman va jusqu'à participer à l'enregistrement de Tosca de Puccini que réalise en 1980 James Levine à la tête du Philharmonia Orchestra rôle du Geôlier, aux côtés de Plácido Domingo et de Renata Scotto, et il se fait conteur dans Pierre et le loup de Prokofiev. En 1996, il apparaît, jouant son propre rôle, dans le film de Woody Allen Every One Says I Love You Tout le monde dit I Love You. Il est le soliste de la partition – oscar de la meilleure musique de film – que compose John Williams pour le film de Steven Spielberg Schindler's List, La Liste de Schindler, 1993 et il peut être entendu, en compagnie de Yo-Yo Ma, dans Memoirs of a Geisha de Rob Marshall, Les Mémoires d'une Geisha, 2005, dont la musique a également été composée par John Williams. De très nombreux Grammy Awards ont consacré sa réputation. À partir de 1999, il donne des cours à la Juilliard School. Attiré par la direction d'orchestre, il est, de 2001 à 2005, premier chef invité de l'Orchestre symphonique de Detroit et, de 2002 à 2004, conseiller musical de l'Orchestre symphonique de Saint Louis. Itzhak Perlman a créé les concertos pour violon et orchestre d'Earl Kim 1979 et de Robert Starer 1981. Il a joué sur quelques instruments précieux, parmi lesquels un Guarneri del Gesù de 1743 – le Sauret–, un Bergonzi ayant appartenu à Fritz Kreisler, ainsi que plusieurs Stradivarius : le « Sinsheimer » (ou « General Kyd ») de 1714, l'« Espagnol » de 1723 et le Soil de 1714, son instrument préféré, que lui a transmis Yehudi Menuhin.
Itzhak Perlman est un idéal virtuose dont la suprême élégance réside dans la dissimulation de toute trace d'effort et de tension derrière une libre respiration musicale et un phrasé d'une naturelle aisance. Une sonorité charmeuse, une expression pudique qui jamais ne force la voix et un jeu d'une sobriété rare en font l'un des plus parfaits stylistes de sa génération. Sa gigantesque discographie dépasse le volume, déjà considérable, atteint par celles de Jascha Heifetz, Yehudi Menuhin et David Oïstrakh. Elle fait la part belle à ces miniatures, transcriptions et pièces de genre, qu'il distille avec un chic digne de Kreisler lui-même. Son répertoire s'étend de Bach aux œuvres qui ont marqué le début du XXe siècle. Il montre une prédilection certaine pour le néo-romantisme finissant, les concertos pour violon de Julius Conus, Karl Goldmark, Erich Wolfgang Korngold, Christian Sinding, Henri Vieuxtemps qu'affectionnait tant Jascha Heifetz, l'idole de toute une génération. Il a gravé le concerto pour violon de Tchaïkovski avec Alfred Wallenstein, Erich Leinsdorf, Eugene Ormandy et Zubin Mehta. Cet art rayonnant qui équilibre spontanéité et maîtrise trouve son accomplissement dans les concertos pour violon de Beethoven et de Brahms, enregistrés sous la direction de Carlo Maria Giulini, avec le Philharmonia Orchestra, 1980, et l'Orchestre symphonique de Chicago, 1976, respectivement ; collection Great Recordings of the Century de E.M.I., et qui comptent parmi les plus durables références. De Beethoven toujours, il a donné une intégrale des sonates pour violon et piano, avec Vladimir Ashkenazy, 1973-1975 ainsi qu'une autre des trios pour piano, violon et violoncelle, avec Vladimir Ashkenazy et Lynn Harrell qui tutoient les sommets de l'histoire du disque.
Perlman a reçu de nombreuses distinctions, telle que le Kennedy Center Honors en 2003.

Sa version des Vingt-quatre Caprices pour violon de Paganini figure parmi ses enregistrements les plus connus.
Perlman joue sur le fameux Soil, un Stradivarius de 1714 que lui a cédé Yehudi Menuhin, considéré comme le plus fin des Stradivarius et le meilleur de tous les violons au monde.
Le 20 janvier 2009, il joue en compagnie de Gabriela Montero,Yo-Yo Ma et Anthony McGill lors de l'investiture de Barack Obama. Il s'agissait de l'œuvre Air and Simple Gifts, composée par John Williams pour cette occasion.

Collaborations Discographie

Pour le label Deutsche Grammophon
1983 : Saint-Saëns : Concerto pour violon n° 3 ; Wieniawski : Concerto pour violon n° 2 - Orchestre de Paris, Daniel Barenboim.
1985 : Mozart : Sinfonia concertante K.364 et Concertone K.190- Orchestre philharmonique d'Israël, Zubin Mehta (chef d'orchestre)2.
1987 : Pablo de Sarasate “Carmen” Fantaisie, Chausson " Poème", Saint-Saëns "Havanaise","Introduction et rondo capriccioso", Ravel "Tzigane" - avec New York Philharmonic,Zubin Mehta
2000 : "The Mozart Collection" 4 CD : Les sonates pour violon et piano, Daniel Barenboimpiano
2002 : Tchaikovsky, Chostakovitch : les concertos pour violon avec l'Orchestre philharmonique d'Israël, Ilya Gringolts
2006 : Beethoven sonates N°9 et N° 5 Vladimir Ashkenazy piano
2007 : Elgar concerto pour violon, Chausson Poème avec l'Orchestre symphonique de Chicago et New York Philharmonic, Daniel Barenboim, Zubin Mehta
2007 : Sonate de Franck pour violon et piano, trio de Brahms pour violon, cor et piano

Pour le label MCA

1993 "Schindler’s List" BO du film "La liste de Schindler"

Pour le label EMI

1981 Beethoven: Concerto pour violon en ré majeur - Philharmonia Orchestra - Carlo Maria Giulini
1988 Bach : Sonates et Partitas pour violon seul
1994 "Itzhak Perlman Bits & Pieces"2
1995 "The American Album" Bernstein, Barber, Foss - avec l'Orchestre symphonique de Boston, Seiji Ozawa
1996 "Klezmer 2"- "Live in the Fiddler’s House"
1996 "Itzhak Perlman- A la carte"2
1998 "Itzhak Perlman's Greatest Hits"- Elgar, Debussy, Pablo de Sarasate, Kreisler
1999 Brahms Concerto pour violon avec l'Orchestre symphonique de Chicago, Carlo Maria Giulini
1999 Beethoven - "Kreutzer" Sonate, Franck - Sonate
1999 "Concertos From My Childhood" avec Juilliard Orchestra, Lawrence Foster Les concertos de Oscar Rieding, Accolay, Luciano Berio, Viotti
2000 Paganini : 24 Caprices
2000 "Itzhak Perlman’s Greatest Hits", Vol. 2, Samuel Sanders piano
2003 "The French Album"
2003 "The Kreisler Album" piano- Samuel Sanders
2003 "Tradition" Orchestre philharmonique d'Israël, Dov Seltzer
2003 Antonín Dvořák : Concerto pour violon, Romance, Sonatina, 4 pièces romantiques, Orchestre philharmonique de Londres, Daniel Barenboim, piano- Samuel Sanders
2003 "Encores" Perelman-Sanders
2003 Paganini- Concerto pour violon No. 1, Pablo de Sarasate : "Carmen Fantaise " avec Royal Philharmonic Orchestra et Abbey Road Ensemble, Lawrence Foster
2003 Prokofiev : Concertos pour violon ; Sonate pour 2 Violons avec BBC Symphony Orchestra, Gennadi Rozhdestvensky, Pinchas Zukerman (Violon)
2003 Brahms : Concerto pour violon; Sonatensatz; Les danses hongroises avec l'Orchestre philharmonique de Berlin, Daniel Barenboim, Vladimir Ashkenazy Piano
2003 Shostakovich : Concerto pour violon No. 1, 3 duos, Glazounov : Concerto pour violon avec l'Orchestre philharmonique d'Israël, Zubin Mehta, Samuel Sanders piano
2003 Tchaikovsky et Mendelssohn : concertos pour violon avec l'Orchestre de Philadelphie, Orchestre symphonique de Londres Eugene Ormandy, André Previn
2003 Mozart : Concerto pour violon No. 3; Symphonie No. 41, “Jupiter” avec l'Orchestre philharmonique de Berlin
2003 "Virtuoso Violin" - Manuel de Falla, Pablo de Sarasate avec Royal Philharmonic Orchestra, Orchestre symphonique de Pittsburgh André Previn, Samuel Sanders Piano
2003 Bach : Les concertos pour violon avec English Chamber Orchestra, Daniel Barenboi
2003 "The American Album" Samuel Barber, Leonard Bernstein avec l'Orchestre symphonique de Boston, Seiji Ozawa
2004 Beethoven Piano Trios Vol. 1 Vladimir Ashkenazy piano, Lynn Harrell violoncelle.
2004 Beethoven Piano Trios Vol. 2 Vladimir Ashkenazy piano, Lynn Harrell violoncelle.
2005 Beethoven/ Brahms concertos pour violon DVD
2005 Bach les concertos pour violon réédition
2006 "Encores" Kreisler, De Falla, Tartini
2009 Vivaldi "Les 4 saisons" avec l'Orchestre philharmonique de Londres et l'Orchestre philharmonique d'Israël.

Pour le label Sony

1997 "Cinema Serenade"3
2002 "Classic Perlman: Rhapsody"
2010 Mendelssohn Piano trios op.49 et op. 66 Yo-Yo Ma violoncelle, Emanuel Ax piano

Pour le label Telarc

1998 "Marita and Her Heart’s Desire: A Musical Fairy Tale"

Récompenses et Distinctions

Grammy Award for Best Chamber Music Performance :

Sonates pour violon et piano de Beethoven : Itzhak Perlman & Vladimir Ashkenazy 1979
Musique pour deux violons (Moszkowski : Suite pour deux violons / Chostakovich : Duets / Prokofiev: Sonate pour deux violons : Itzhak Perlman & Pinchas Zukerman 1981
Trio pour piano en la mineur, op. 50 de Tchaïkovsky: Vladimir Ashkenazy, Lynn Harrell & Itzhak Perlman 1982
L'intégrale des trios avec piano de Beethoven: Vladimir Ashkenazy, Lynn Harrell & Itzhak Perlman 1988
Les trois sonates pour violon de Brahms: Daniel Barenboïm & Itzhak Perlman (1991) Side by side avec le pianiste Oscar Peterson telarc

Liens

http://youtu.be/wEmbFSiJzEQ?list=RDwEmbFSiJzEQ 50
http://youtu.be/wEmbFSiJzEQ S
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Flamant rose en vol.Vol d'oiseau À tire d'aile.

À partir de 1953, Braque multiplie les références à l'envol, aux oiseaux. On en trouve dans L'Atelier IX 1952-1956, avec de grandes ailes qui viennent çà et là perturber l'espace. Pendant ces années-là, les oiseaux envahissent son œuvre. Mais il faut attendre Atelier VIII 1952-1955 pour que l'oiseau en vol ait gagné sa blancheur. L'Oiseau et son nid 1955-1956, 130,5 × 173,5 cm, Centre Pompidou, Paris, est découpé abstraitement sur fond brun. Il marque une étape importante dans l'œuvre de Braque en cela qu'il annonce l'oiseau profilé de À tire d'aile, 1956-1961, 114 × 170,5 cm, Centre Pompidou, Paris, l'apothéose du travail du peintre sur les oiseaux. L'artiste est allé observer une réserve d'oiseaux en Camargue, il a admiré le vol des flamants roses : ... j'ai vu passer de grands oiseaux. De cette vision, j'ai tiré des formes aériennes. Les oiseaux m'ont inspiré .... Le concept même, après le choc de l'inspiration, les a fait se lever dans mon esprit, ce concept doit s'effacer pour me rapprocher de ce qui me préoccupe : la construction du fait pictural. Le peintre stylise, puis travaille les formes en aplats en les simplifiant à l'extrême. Les Oiseaux noirs, 1956-1957 ou 1960 selon les sources 129 × 181 cm, collection Adrien Maeght, sont représentatifs du concept oiseau abouti, ainsi que À tire d'aile 1956-1961, 129 × 181 cm, Centre Pompidou Paris. Dans le tableau Les Oiseaux, 1960, 134 × 167,5 cm le concept est réduit à des signes, presque abstraits, jouant avec la lumière. Braque tient beaucoup à ses oiseaux, il a conservé jusqu'à sa mort L'Oiseau et son nid, huile et sable sur toile, 130,5 × 173,5 cm, Centre Georges Pompidou. L'Oiseau et son nid, qu'il a gardé jusqu'à sa mort, on ne saurait trouver de meilleur autoportrait de Braque.
L'œuvre de Braque, dans les années cinquante et soixante, fait l'objet de nombreuses expositions tant en France qu'à l'étranger à Tokyo au Musée national en 1952, à la Kunsthalle de Berne et à la Kunsthaus de Zurich en 1953. Mais tandis qu'on organise au Festival international d'Édimbourg en 1956 une gigantesque exposition de ses œuvres, puis à la Tate Gallery de Londres, il reste dans son atelier à Paris et il ne le quitte que pour aller à Varengeville. Il se contente d'envoyer ses toiles de plus en plus ailées. L'exposition d'Édimbourg est pourtant répartie dans vingt trois salles, elle comporte quatre vingt neuf toiles qui ont attiré un très vaste public. Braque est fait Docteur honoris causa de l'Université d'Oxford. L'année suivante ce sont ses sculptures qui s'envolent pour le musée de Cincinnati, puis plus tard à Rome, où on l'expose fin 1958 - début 1959, il reçoit le Prix Antonio Feltrinelli décerné par l'l'Académie des beaux-arts. De 1959 à 1963, Braque travaille aussi à des livres d'artiste : avec Pierre Reverdy La Liberté des mers, avec Frank Elgar La Résurrection de l'oiseau 1959, avec Apollinaire Si je mourais là-bas, avec Saint-John Perse L'Ordre des oiseaux 1962, avec René Char Lettera Amorosa 1963.
Braque est un des peintres marquants dans l'histoire de la peinture. Il a influencé de nouvelles générations d'artistes. Après l'exposition de 1946 à la Tate Gallery de Londres, jugée mal montée par Patrick Heron, Des artistes en manque ont commencé, dans toute l'Angleterre, et à l'insu de critiques arrogants, à peindre des natures mortes au hareng. Parmi les peintres sous l'influence de Braque, Alex Danchev cite Ben Nicholson, John Piper ou Bryan Winter, et les américains William Congdon et Ellsworth Kelly. Françoise Gilot était entourée des œuvres de Braque, et à la Juilliard School de New York on donnait un cours d'histoire de l'art intitulé Bach to Braque and beyond de Bach à Braque et au-delà.
Georges Braque a également créé des vitraux : sept pour la chapelle Saint-Dominique et le vitrail représentant un arbre de Jessé à l'église paroissiale Saint-Valéry de Varengeville-sur-Mer en 1954, ainsi que la sculpture de la porte du tabernacle de l'église d'Assy en 1948. La dernière exposition de son vivant en France a lieu au Musée des arts décoratifs de Paris et présente ses bijoux du 22 mars au 14 mai 1963. Ils sont reproduits sur de nombreux sites. Cette même année à Munich, une grande rétrospective présente l'ensemble de son œuvre du 12 juin au 6 octobre.
Il meurt le 31 août 1963 à Paris. Alberto Giacometti, qui est venu dessiner son portrait funéraire , écrit :
Ce soir tout l'œuvre de Braque redevient pour moi actuel ... De tout cet œuvre, je regarde avec le plus d'intérêt, de curiosité et d'émotion les petits paysages, les natures mortes, les modestes bouquets des dernières années, des toutes dernières années.

Des funérailles nationales ont lieu pour l'artiste le 3 septembre. André Malraux prononce son éloge funèbre devant la Colonnade du Louvre.
Georges Braque est enterré le lendemain au cimetière marin de Varengeville-sur-Mer.

Les bijoux de Braque

En 1961, de plus en plus souffrant, et incapable de travailler longtemps à ses peintures, Braque accepte de reprendre des dessins afin qu'ils servent de modèles pour la réalisation de bijoux, en particulier de camées en onyx montés en bagues. Il en a offert une à sa femme représentant le profil d'Hécate reproduction de Hécate en broche, gouache et reproduction de Hécate en broche, et il en a porté une lui-même en chevalière pendant la dernière année de sa vie : La Métamorphose d'Eos, oiseau blanc représentant l'aurore.
À partir de 1961, le peintre, fatigué et malade, avec le teint cireux du cancer a ralenti son rythme. Ce qui ne l'empêche de travailler encore à de grands tableaux comme La Sarcleuse. Emporté par un infarctus cérébral il peindra jusqu'à son dernier souffle, retouchant sans cesse La Sarcleuse et réalisant des petits formats moins contraignants, des gouaches qui vont devenir des bijoux. En septembre 1961, Braque a commencé à travailler sur une représentation en volume de sa Tête grecque qu'il a présentée au lapidaire Heger de Lowenfeld pour une mise en volume.
Ce sont les 110 gouaches de Braque, réalisées de 1961 à 1963, qui ont servi de base aux bijoux exécutés de 1962 à 1963. Ils ont été exposés au Musée des arts décoratifs de Paris du 22 mars au 14 mai 1963. Certaines pièces sont visibles sur le site du Musée des arts décoratifs de Paris ou sur celui site du Musée Georges Braque de Saint-Dié-des-Vosges, ainsi que sur le site de Montpellier art181 consacré aux bijoux d'artistes Bijoux d'artistes, les expositions, peintres et bijoux. Les thèmes récurrents des gouaches de l'artiste sont les oiseaux en vol, et les figures humaines ou animalières de la mythologie grecque.
L'intégralité des bijoux acheté par l'État se trouve au Musée des arts décoratifs , création : Georges Braque dessinateur ; France Heger de Löwenfeld réalisation ; France, 1962 vers.Alcyone, collier, 1962, or serti de diamants, 29 × 14,5 × 26 cmvoir Alcyons sur le site des arts décoratifs. Il est bien précisé que c'est en 1961 que le peintre a commencé les dessins dont la réalisation a eu lieu à partir de 1962 ou bien au Centre national d'art et de culture Georges-Pompidou : 1963, Hera, orfèvrerie, or et saphirs sur clip de platine, 3 x 4,3 x 8 cm. Acquisition de l'État, 1969. Attribution au Musée national d'art moderne, 1969. Numéro d'inventaire : AM 1249 OA Centre Pompidou consultable sur le site du centre Pompidou virtuel et 1962, Métamorphose d'Eos, camée d'onyx sur bague d'or 2,2 x 1,8 cm Diamètre : 1,9 cm inscriptions : S.R. : G.Braque. Donation Mme Georges Braque, 1965, Numéro d'inventaire : AM 1208 OA Centre Pompidou.
Après la mort de Braque, Heger de Lowenfeld a reproduit diverses œuvres du peintre sous forme de gouaches servant de maquette à de nouveaux bijoux jusqu'en 1996, année où le lapidaire a été victime d'une deuxième hémiplégie. Pour lever toute confusion, les gouaches de Lowenfeld sont signées de sa main, et non de Georges Braque ainsi qu'on peut le voir sur les sites de ventes aux enchères où les œuvres sont présentées à titre d'Hommage aux bijoux de Braque comme Asteria, ou Eudora dont la lithographie a été exécutée d'après Georges Braque, et signée par le lapidaire. De même pour Circé sur le site Invaluable. Lorsque les travaux sont de la main du peintre, ils sont présentés comme tels : Pelias et Nélée, tapisserie signée de Georges Braque.
On en retrouve des exemplaires dans les ventes au enchères des maisons spécialisées : Millon et associés, la maison Tajan de Monte-Carlo, l'hôtel des ventes de Cannes, l'hôtel Drouot . Et sur le site du bijoutier lyonnais Cas Bernard.Le 25 novembre 2009 à l'Hôtel Drouot une vente aux enchères de sculptures et bijoux de Braque voir la vente 2009 a eu lieu au profit de la Croix-Rouge française.
Lors de la vente Tajan de Monte-Carlo du 5 août 2003, aux numéros 127 à 131 de la page 42 du catalogue, la vente comprenait les bijoux Hécate, broche bleue sur fond or, Hébé broche figurant des poissons, Mérope collier et Zétès et Calaïs, pendentif figurant des colombes Mélissa, bague figurant une colombe pavée de diamants, Thalia, broche figurant deux oiseaux en or lisse et en or ciselé. Une photo de la princesse Grace Kelly portant un modèle similaire à la broche Thalia est présentée sur le catalogue. Cette broche est mentionnée sur le catalogue de l'hôtel Drouot lors de la vente du 19 novembre 2006. Elle a été réalisée pour la princesse Grace d'après une gouache de Georges Braque intitulée Les Trois Grâces, signée de l'artiste en 1962.
Fernand Mourlot précise que les dernières lithographies de Braque date de 1963. Il a réalisée la toute dernière pour l'affiche de l'exposition Les Bijoux de Braque au musée des arts décoratifs de Paris. Avant cela, il mettait une dernière main en 1962 à Lettera amorosa de René Char, parution 1963

Postérité

Automobiles

Georges Braque aimait les belles automobiles. Alex Danchev mentionne la Rolls-Royce que lui avait offert le fils de Aimé Maeght, Adrien Maeght. Adrien possédait un musée de l'automobile aujourd'hui fermé. La veuve du peintre lui avait légué la Simca-Facel sport de Georges, qui se trouve maintenant, objet de collection, en Corse voir le peintre au volant de sa voiture. À Varengeville, Braque a laissé le souvenir de la Bentley grise qu'il possédait, avec chauffeur, la Bentley grise et la Simca sport rouge repeinte en gris. La Bentley grise devient vert bouteille dans l'article du New York Times du 17 juin 1982, qui déplore déjà le peu de place laissé un artiste qui a changé le cours de l'histoire de l'art The New York Times 1982

Philatélie

Un timbre postal de 50 centimes polychrome représentant le tableau Le Messager, a été émis le 10 novembre 1961 avec une oblitération Premier jour à Paris. Il porte le n° YT 1319201.
Un timbre postal polychrome d'une valeur faciale de 0,56 € représente le tableau Pélias et Nélée de Georges Braque. Le timbre a été émis à 1,7 million d'exemplaires le 21 septembre 2009 avec une oblitération Premier jour à Paris le 19 septembre 2009 ; il a été retiré de la vente le 26 novembre 2010. Le timbre est inséré dans un carnet de cinq appartenant à la série de la Croix-Rouge française sur le thème des 150 ans de la bataille de Solférino. Il porte le no 4388 et a été réalisé en offset.
Cote
Atelier VIII, vendu chez Christie's à New York le 11 mai 2005 pour 7 000 000 $
La Terrasse, vendu le 16 juin 2006 à la galerie Kornfeld à Berne pour 3 904 000 euros
Hermès Sculpture no 5/8, vendu chez Millon & Associés à Paris Drouot Richelieu le 19 novembre 2006 pour 553 481 eurosprix indiqué sur le catalogue Drouot.
Cristallerie
La série des Métamorphoses de Georges Braque a servi de base à des réalisations de la Cristallerie Daum dans les années 2000. Une exposition a eu lieu à l'Hôtel de ville de Nancy du 13 juin au 19 octobre 2007. Une autre exposition a réuni à Carmaux les pièces exécutées à partir des œuvres de Georges Braque et de Salvador Dalí de mai à octobre 2010. En 2007, le magazine Connaissance des arts édite un hors-série consacré à la collection Georges Braque de la cristallerie Daum Daum la collection Georges Braque

Odonymie

la rue Georges-Braque à Paris porte son nom

Mode

Les Métamorphoses ont inspiré la Haute couture, en particulier Les Oiseaux. En 1988, Yves Saint Laurent a présenté sa collection Braque avec des robes ailées dont on peut voir un exemplaire sur une photographie de Jean-Marie Périer où le couturier apparaît avec Carla Bruni portant une robe blanche à ailes d'oiseaux. Carla Bruni était l'un des deux mannequins qui ont présenté la collection Braque. L'autre était le premier mannequin noire : Katoucha Niane

Œuvres

Liste des œuvres de Georges Braque. Période Post-impressionniste

Beaucoup de tableaux de la période Post-impressionniste ont été détruits par l'artiste lui-même après l'été 1904 passé près de Pont-Aven à l'exception du portrait Fillette bretonne. Le plus ancien exposé à ce jour est Le Parc Monceau, 1900, le Parc Monceau sur le site du Musée Georges Braque de Saint-Dié-des-Vosges.

Période post-impressionniste. Période Fauve 1905-1907

L'artiste a été entraîné dans le système fauve par son admiration pour le chef des fauves de l'époque, Henri Matisse, qui ne la lui rendait guère, mais surtout par son amitié pour Othon Friesz, André Derain, Raoul Dufy qui le poussent à l'action. Finalement, il expose pour la première fois sept tableaux fauves au Salon des indépendants de 1906, qui n'ont aucun succès et qu'il détruit. Très productif, Braque entame une période florissante : ses œuvres ont été achetées par beaucoup de musées par la suite. Ce sont en majorité des paysages comme Mât dans le port d'Anvers, 1906, huile sur toile, 46,5 × 38,4 cm, centre Georges-Pompidou, Bateau à quai, Le Havre, 1905, 54 × 65 cm Museum of Modern Art New York, voir le tableau exposé en 2009 au Musée des beaux-arts de Bordeaux, Paysage à l’Estaque, 1906 60,3 × 72,7 cm Art Institute of Chicago voir le paysage à l'Estaque. Et aussi des nus : Femme nue assise, 1907, huile sur toile, 55 5 × 46 5 cm Musée national d'art moderne, Paris. descriptif Femme nue assise, et Nu assis, 1907, huile sur toile 61 × 50 cm, collection Samir Traboulsi

Période fauve. Cubisme analytique 1907 à 1912

La période cubiste de Braque commence principalement avec des paysages, comme Le Viaduc à l'Estaque 1907 ou Route près de l'Estaque, et surtout Maisons à l'Estaque déclaré tableau cubiste par Matisse, puis Louis Vauxcelles, alors que le peintre considère Les Instruments de musique comme son premier tableau vraiment cubiste. Les débats sur le cubisme restent encore embrouillés, notamment parce que l'extrême discrétion de Braque a permis à son compagnon de cordée de monopoliser tous les rôles. Chacun est cependant resté le public en avant-première de l'autre pendant toute la cordée Braque-Picasso de 1911 à 1912 pendant période du cubisme analytique et celle du cubisme synthétique.
Les rapports entre les deux peintres se sont un peu gâtés au moment où Braque a réalisé ses premiers papiers collés à Sorgues : Compotier et verre, 1912, ' huile et sable sur toile, 50 × 65 cm collection privée premier papier collé sous cet intitulé, suivi d'un grand nombre d'autres papiers collés qui aboutissent graduellement au cubisme synthétique.

Cubisme analytique 1907 à 1912. Cubisme synthétique 1912 à 1917-1918

Le découpage exact entre la période analytique et la période synthétique varie selon les biographes. Certain incluent dans cette période les papiers collés à partir de Compotier et verre, 1912, qui conduisent à la période de Braque le vérificateur où se trouvent également Compotier et cartes 1913, suivi de la prolifique série des Machines à voir : Le Petit éclaireur , 1913. Dans cette période, où Braque met méticuleusement sa peinture au point, se trouvent des huiles sur toile : Violon et clarinette 1913 , Nature morte à la pipe 1914, L'Homme à la guitare 1914, 1914 .
Le catalogue de l'exposition Georges Braque 2013 au Grand Palais réserve un chapitre à part pour les papiers collés de 1912 à 1914, du Compotier et verre 1912 à La Bouteille de rhum, 1914. Puis revient sur les techniques mixtes sur toile avec Compotier et cartes 1913, ou Cartes et dé 1914. Les papiers collés pourraient être considérés comme un intermède cubiste entre analytique et synthétique.
Dans les principales œuvres de cette période il y a Violon et pipe LE QUOTIDIEN, 1913-1914, ou La Guitare : Statue d’épouvante, 1913, mais surtout des natures mortes lorsque Braque retrouvera la vue après une longue période de cécité due à sa blessure de guerre : La Joueuse de mandoline, 1917, 92 65cm, Musée de Lille métropole, La Musicienne, 221,3 × 113 cm,1917-1918, Kunstmuseum Bâle

Cubisme synthétique 1912 à 1917-1918. 1919 à 1932

Tout en gardant la rigueur du cubisme, Braque s'écarte de l'abstraction avec des natures mortes dont les motifs sont posés en aplats, et dont les couleurs deviennent de plus en plus vives au fil du temps. La juxtaposition des différents plans comme dans Compotier avec grappe de raisin et verre, 1919, Musée national d'art moderne, Centre Georges Pompidou, Paris220 est faite avec des pâtes épaisses et des lignes rigidifiées, qui donnent cette impression de mesure qui est la caractéristique de Braque220. Plus les années passent, plus son retour à la couleur s'affirme de Guitare et nature morte sur la cheminée, huile sur toile, 1921, 130,5 × 74,3 cm Metropolitan Museum of Art Guitare et nature morte sur la cheminée ou Guitare et verre 1921, huile sur toile, 43, × 73 cm, Centre national d'art et de culture Georges-Pompidou, Paris221, pour éclater dans des formats de plus en plus grands tels : Guitare et bouteille de marc sur une table, 1930, huile sur toile, 130,5 × 75 cm, Cleveland Museum of Art Guitare et bouteille de marc. Ses thèmes favoris sont alors les fruits, les fleurs, les objets. Il semble tourner le dos au cubisme. Avec des natures mortes comme : Le Grand guéridon également intitulé : La Table ronde, 1928-1929, huile et sable sur toile, 147 × 114 cm, The Phillips Collection222 le grand Guéridon The Round table qui paraissent, pour les uns, une régression, ou bien une somptueux avancée pour les autres, le peintre pratique son art de manière voluptueuse, livrant pendant cette période ses œuvres les plus sensuelles.

1919 à 1932. 1932 à 1944

The Phillips Collection où se trouvent de nombreuses œuvres de Braque, notamment la Nature morte à la clarinette
La dialectique des formes à la fois naturalistes et abstraites telles que les définissait Christian Zervos, prend une ampleur nouvelle avec des variations sur le thème du Guéridon commencé en 1928 : Le Guéridon 1928, huile sur toile, 197 × 73 cm, Museum of Modern Art, New York dont Braque produit une série de 1936 à 1939 comprenant Le Grand guéridon, intitulé également La Table ronde, huile sur toile, The Phillips Collection, qui est la toile la plus imposante de la série selon Bernard Zurcher, Le Guéridon SFMOMA, San Francisco Museum of Modern Art, Le Guéridon rouge Paris, commencé en 1939, révisé jusqu'en 1952, Centre Pompidou. Pendant cette période, l'artiste accumule notes, esquisses, dessins, qui donnent l'apparence trompeuse d'ébauches pour de futurs tableaux, alors qu'ils sont davantage une recherche de la part d'un peintre dans l'incertitude. L'artiste tâtonne, il cherche le fond des choses et bien que chaque page sur papier quadrillé soit d'un grand intérêt pour la compréhension de son cheminement, ils n'ont jamais été publiés. Aux angoisses de la guerre s'ajoutent l'inquiétude d'être sans nouvelles de sa maison de Varengeville et des toiles qui y sont déposées. Mais après des œuvres austères comme les Poissons ou Le Poêle she Stove 1942-1943, Yale University Art Gallery, Grand intérieur à la palette, 1942, 143 × 195,6 cm, Menil Collection, Houston. C'est aussi pendant cette période qu'il aborde la sculpture : Hymen, Hespéris, Le Petit cheval, et les plâtres gravés ainsi que la céramique, avant d'arriver à la série des Billards considérée comme un des thèmes majeurs de l'artiste
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1932 à 1944. 1944 à 1963
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Braque était à Varengeville lorsque les troupes allemandes ont passé la Ligne Maginot. D'abord réfugié dans le Limousin chez les Lachaud, puis dans les Pyrénées, le couple est revenu à Paris où il a passé la totalité de la guerre dans l'atelier construit par Auguste Perret, rue du Douanier. En 1940, le peintre a peu produit. C'est seulement à partir de 1941 qu'il a créé deux séries imposantes, des toiles austères sur les thèmes de la cuisine et de la salle de bain :La Table de cuisine avec grill, Le Poêle, La Toilette aux carreaux verts, l'immense Grand intérieur à la palette. Mais cette austérité ne durera pas. Dès 1946, avec Tournesols, Braque laisse éclater la couleur. Les dernières années du peintre, qui vont de la la presque-fin de guerre jusqu'au soir de sa mort sont les plus brillantes de sa carrière, selon John Golding . De nombreux critiques d'art anglais ont fait une ovation à sa série des Billards, puis la série des Ateliers, et aussi des paysages réalisés aux formats étirés et étroits exposés à la Royal Academy de Londres en 1997 Braque, The late works. L'exposition a été ensuite présentée à la Menil Collection qui a édité le catalogue. En France, on a peu parlé de l'évènement comme en témoigne le bref article de l'Express. Les dernières années du peintre sont aussi celles de la poésie, des lithographies illustrant des livres précieux comme L'Ordre des Oiseaux de Saint-John Perse. Le thème majeur de ces dernières années est certainement celui des oiseaux dont les très grands Oiseaux noirs marquent l'apothéose. Malgré sa simplicité, apparente, et son audace, la série des oiseaux, défie toute description, tout essai d'analyse. Braque disait :
Définir quelque chose, c'est substituer la définition à la chose. Il n'y a qu'un chose qui vaille vraiment la peine en art, c'est ce que l'on ne peut pas expliquer - Braque, le Cahier de Braque - cité par John Golding.

Les Bijoux de Braque 1961-1963

Hécate, camées en onyx montés en bagues. Georges Braque en a offert une à sa femme reproduction de Hécate en broche
La Métamorphose d'Eos oiseau blanc représentant l'aurore. Le peintre a porté une chevalière avec ce motif pendant la dernière année de sa vie.
Alcyone, collier, 1962, or serti de diamants, 29 × 14,5 × 26 cm Alcyone au Musée des arts décoratifs
Icarios, clip, oiseau de diamant sur fond de jaspe serti d'or 4,5 × 4 cm Icarios au Musée des arts décoratifs
La liste des bijoux étant très longue, une partie se trouve sur l'article détaillé Liste des œuvres de Georges Braque, une autre partie sur la page de discussion de l'article Georges Braque : Liste des bijoux de Braque, sous réserve de vérification.

Sculptures, tapisseries, plâtre gravés

La dernière œuvre des Métamorphoses, est une gouache exécutée par le peintre en 1963, 38 × 33 cm, en hommage et en signe d'amitié envers Pablo Picasso intitulée Les Oiseaux bleu hommage à Picasso. Cette œuvre a été exploitée après la mort du peintre. Exécutée en tapisserie 195 × 255 cm, réalisée à la main en 6 exemplaires par la manufacture Robert Four, elle a été vendue aux enchères par la maison Millon qui mentionne bien d'après Georges Braque. Cette même gouache a été exécutée en sculpture en bronze à patine médaillée bleue nuancée de noir tirée à 8 exemplaires, 58 × 255 cm, et vendue aux enchères à l'hôtel des ventes de Cannes ainsi que chez Millon, Paris.

Principales expositions

Depuis quarante ans, Georges Braque n'avait pas eu de rétrospective en France jusqu'à celle 2013-2014 au Grand Palais. C'est une très grande exposition qui compte environ références comprenant dessins sculptures et photographies. La totalité de l'œuvre est difficile à réunir en un seul lieu, d'autant plus que le Grand Palais consacre encore du 4 décembre 2013 au 6 février 2014 une rétrospective des bijoux Cartier.
Des expositions complémentaires rendent hommage à d'autres travaux de Braque, pendant cette même période 2013-2014. Les bijoux issus des gouaches créées par l'artiste de 1961 à 1963 ont été exposées au musée Georges-Braque de Saint-Dié-des-Vosges du 29 juin au 15 septembre 2013, les estampes et gravures de l'artiste sont actuellement exposées au Centre d'art La Malmaison de Cannes du 4 décembre 2013 au 26 janvier 2014, le château-Musée de Dieppe consacre une exposition aux estampes de Braque du 25 novembre 2013 au 5 janvier 2014.
C'est à partir de la double exposition Braque, the late years, 1997, Londres et Houston, que l'historien d'art anglais John Golding a établi un catalogue raisonné des œuvres de Braque. Ses travaux n'ont pas été repris dans les catalogues raisonnés édités par Maeght qui s'arrêtent en 1957, à la grande indignation d'Alex Danchev.
En 2008, une rétrospective de 80 œuvres de Braque a eu lieu à Vienne, à la Bank Austria Kunstforum, centre d'art situé dans un ancien bâtiment de la Bank Austria qui en est le mécène principal

2014
Georges Braque (1882-1963), Menil Collection et Musée des beaux-arts de Houston Houston, Texas du 16 février au 11 mai 2014.
2013
Georges Braque (1882-1963), Grand Palais, Galeries nationales, Paris, 18 septembre 2013 - 6 janvier 2014.
Georges Braque et les natures mortes cubistes, 1928-1945 du 8 juin au I° septembre 2013, The Phillips Collection, Washington
Georges Braque, l'artisan, Musée George Braque de Saint-Dié, Saint-Dié-des-Vosges, 29 juin au 15 septembre 2013
2012
Exposition dans le musée d'art de la cité interdite Pékin Chine, du 9 septembre au 12 octobre 2012
galerie de l'Université des Arts de Nankin galerie de l'Université des Arts de Nankin Nankin Nankindu 20 novembre au 20 décembre 2012 242
2008-2009
Georges Braque, Vienne, du 14 novembre 2008 au 1er mars 2009, Centre d'art de la Banque Austria, musée d'art moderne installé dans un ancien bâtiment de la banque
2007
Les Métamorphoses de Braque, Mairie de Saint-Nom-La-Bretèche, du 13 janvier au 4 février 2007.
Daum, la collection Georges Braque, œuvres de cristalleries exécutées d'après les Métamorphoses de l'artiste. Le magazine Connaissance des arts publie un hors-série consacré à cette exposition le 3 septembre 2007 : Daum, la collection Georges Braque
2006.
Georges Braque et le paysage de L'Estaque à Varengeville 1906-1963, musée Cantini de Marseille,
Braque-Laurens, un dialogue, Musée des beaux-arts de Lyon, 2006
Braque, la poétique de l'objet, Centre des rencontres économiques et culturelles de Dinan, 2006.
Les Métamorphoses de Braque au Château de Vascœuil (août-septembre 2006), l'exposition présente bijoux, tapisseries, sculptures, et pièces de haute couture de Yves Saint-Laurent exposition de Vascœuil, les trois expositions 2006 sont présentées dans le quotidien L'Humanité : L'Humanité.
1999
Georges Braque, l'espace, Musée d'Art moderne André Malraux, Le Havre, 1999,
1997
Georges Braque, late works, Menil Collection, Houston, Texas
Georges Braque, late works, Royal Academy Londres, À cette occasion, la presse anglo saxonne, ne tarit pas d'éloge sur l'élégance de Braque sur sa méticulosité et son art de la lenteur243.
1994
Georges Braque : rétrospective, Fondation Maeght, Saint-Paul-de-Vence, 5 juillet - 15 octobre 1994.
1992
Georges Braque, Fondation Gianadda, Martigny, Suisse, 13 juin au 8 novembre 1992,
1988
Georges Braque Solomon R. Guggenheim museum, New York, 1988
1983
Georges Braque, the late paintings, Fine Arts Museums of San Francisco,
Georges Braque, the late paintings, Walker Art Center, Minneapolis, 14 avril au 14 juin 1983
Georges Braque, the late paintings, California Palace of the Legion of Honor, 1er janvier-15 mars,
Georges Braque, the late paintings, Museum of fine arts Houston
1982
Georges Braque, the late paintings, The Phillips Collection, Washington 9 octobre-12 décembre 1982,
Georges Braque, les papiers collés, Grande galerie - Centre national d'art et de culture Georges-Pompidou, Paris, 17 juin 1982 - 27 septembre 1982 Braque
1974
Georges Braque, Orangerie des Tuileries, 16 octobre 1973 - 14 janvier 1974.
1972
Georges Braque, the great years, Art Institute of Chicago, Chicago, 1972
1963
Les Bijoux de Braque, Musée des Arts décoratifs, Palais du Louvre, mars - mai 1963.
1962
Hommage to Georges Braque The Contemporary art center, Cincinnati,
Hommage to Georges Braque The Walker Art Center, Minneapolis
1958
Georges Braque, œuvres récentes Galerie Aimé Maeght, 1958
1956
Georges Braque, sculptures et lithographies, Musée Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, décembre 1956
1949
Georges Braque, les ateliers, Cleveland Museum of Art, 1949
1946
Georges Braque Tate Gallery, Londres (1946-1947)


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LIens

http://youtu.be/yGnFDnnvT98 Diaporama musical
http://youtu.be/AvhKj5jnCaw Diaporama musical
http://youtu.be/zozOnxVRLes Le musée Braque
http://youtu.be/HaLi6HRCKoI l'exposition G. Braque
http://youtu.be/FcwBVNdw6VQ?list=PL9L ... I74vSEsyXACRqKxrjT8FG-r3W 17 Vidéos























[img width=600]http://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/e/e6/Georges_Braque,_1909-10,_La_guitare_(Mandora,_La_Mandore),_oil_on_canvas,_71.1_x_55.9_cm,_Tate_Modern,_London.jpg[/img]

[img width=600]http://www.grandpalais.fr/sites/default/files/styles/rmngp_manifestation_full/public/field_manifestation_thumbnail_v/braque.jpg?itok=WeddDBKJ[/img]




[img width=600]http://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/b/b9/Georges_Braque,_1913,_Nature_morte_(Fruit_Dish,_Ace_of_Clubs),_oil,_gouache_and_charcoal_on_canvas,_81_x_60_cm_(31.8_x_23.6_in),_Mus%C3%A9e_National_d'Art_Moderne,_Centre_Georges_Pompidou,_Paris.jpg[/img]

L'expérience du miroir

L'horreur pourtant peut être sympathique, comme le suggère le titre paradoxal d'un poème probablement composé à Honfleur, publié le 15 octobre 1860 dans L'Artiste et appelé à devenir la pièce LXXXII de la première section, la plus longue, Spleen et Idéal, allongée encore dans l'édition de 1861. La peur de soi ne va pas sans fascination. Après deux quatrains en forme de question et de réponse, les deux tercets font place à une expérience qui dans la vie intérieure et dans la poésie de Baudelaire occupe une place considérable, l'expérience du miroir :

Cieux déchirés comme des grèves,
En vous se mire mon orgueil ;
Vos vastes nuages en deuilSont les corbillards de mes rêves,
Et vos lueurs sont le reflet
De l'Enfer où mon cœur se plaît.
Si l'image des miroirs jumeaux est discrètement lumineuse dans La Mort des amants, le miroir où se contemple l'individu seul est autrement inquiétant. Celui qui se punit lui-même, L'Héautontimorouménos , s'y découvre en proie à l'ironie vorace, donc à l'autodérision : il la découvre dans sa voix, dans son sang, et il finit par se considérer dans le sinistre miroir / Où la mégère se regarde. C'est dire qu'il s'identifie à Mégère, l'une des Érinyes grecques, l'une des Furies latines, figure effrayante de la vengeance. Lui-même se poursuit, se torture ; il est à la fois le bourreau et la victime du châtiment infernal dans l'enfer de ce miroir, qui est aussi l'enfer de l'œuvre vengeresse.
Le motif parvient à son expression la plus complète dans le poème suivant, L'Irrémédiable, qui réunit divers emblèmes illustrant la conscience. Elle a pénétré en l'homme depuis la chute d'Adam et Ève. Elle est rendue plus insidieuse et plus pénétrante par la présence ironique, lucide et cruelle, qu'elle constitue. Ce n'est d'ailleurs pas tant la conscience du mal que la conscience dans le Mal, et le poème s'achève sur cette expression :

Tête-à-tête sombre et limpide
Qu'un cœur devenu son miroir !
Puits de Vérité, clair et noir,
Où tremble une étoile livide,Un phare ironique, infernal,
Flambeau des grâces sataniques,
Soulagement et gloire uniques,
– La conscience dans le Mal.
La versification, apparemment légère, ne fait que mieux ressortir le caractère aigu de la souffrance. Le tête-à-tête, la confidence que deux êtres se font l'un à l'autre, se transforme en l'épreuve de la conscience solitaire. L'apparente valorisation de cette conscience, considérée comme un puits de vérité, ne va pas sans retour vers l'image fondamentale du gouffre intérieur, révélatrice de ce que Benjamin Fondane 1898-1944 a appelé à propos de Baudelaire l'expérience du gouffre. Cette vérité elle-même, la vérité de soi, est sans indulgence ; le jugement sur soi est porté sans pardon.
Certains mots fondateurs de l'ensemble du recueil Les Fleurs du mal sont ici comme des pivots : ils tournent du positif au négatif, de l'apparence du Bien à l'horreur du Mal. Au fond du puits de vérité, à la fois clair et noir, une étoile apparaît sans briller, elle est une étoile livide, sans vie, comme si elle était elle-même condamnée. Au lieu des phares dont les lumières brillent dans l'un des premiers poèmes – huit artistes, de Rubens à Delacroix –, seul un phare ironique, infernal, éclaire ici d'une lumière empruntée, douteuse, sans grâce ni pitié, l'enfer intérieur de celui qui a été damné par lui-même. Et ce phare, précisément, n'est autre que la conscience dans le Mal.
Tout pourtant n'est pas si sombre, et il aurait été excessif que Verlaine place Baudelaire parmi sa série de six médaillons sur Les Poètes maudits 1888, dont lui-même, sous l'anagramme de Pauvre Lélian, constitue le dernier. Le dandysme baudelairien apporte la note d'une grâce particulière, même s'il comporte son danger propre et s'il peut se retourner : c'est bien une manière de vivre et dormir devant un miroir, Mon Cœur mis à nu. L'ironie baudelairienne elle-même n'est pas toujours vorace : l'un des petits poèmes en prose, Le Miroir, en apporte la preuve, avec la revendication d'un homme qui, au nom des immortels principes de 1789, revendique le droit de se regarder dans le miroir.

L'épuisement de la parole

Scrupuleux à l'extrême, Baudelaire avançait très lentement dans la préparation de ses publications, qu'elles fussent personnelles ou alimentaires. Menant plusieurs ouvrages de front, il devait abandonner bien des projets : un drame, ou plutôt un livret d'opéra comme La Fin de Don Juan, un roman même, que ne compense pas tout à fait sa brillante nouvelle, La Fanfarlo, publiée dès 1847 quand il n'était encore que Charles Defayis, le nom de sa mère corrigé ou déformé.
Il en résulte un sentiment d'impuissance créatrice qui augmente sa rage contre les autres et contre soi-même. Ses lettres à divers correspondants, les notes intimes regroupées après sa mort sous des titres auxquels il avait songé – Hygiène, Fusées, Mon Cœur mis à nu –, disent et redisent ses velléités, ses abandons et ses souffrances. Il se plaint en 1861 de sa volonté perdue, gâchée. En février 1865, il est obligé de constater : Rien, jamais rien. En décembre de la même année, il s'étonne : Je ne suis plus maître de mon temps. Sa peur devient celle du silence, de l'aphasie dans laquelle, par un cours tragique de sa destinée, il va sombrer en effet.
Lui qui depuis 1842 a si peu voyagé, il décide en 1864 de se rendre en Belgique. Ce pays passe pour un pays de liberté pour les écrivains exilés, attaqués ou condamnés. C'est là qu'a été publié en 1862 le roman de Victor Hugo, Les Misérables, que Baudelaire ne prise guère d'ailleurs. C'est là que vont paraître Les Épaves en 1866. C'est là que Rimbaud, sept ans plus tard, publiera Une saison en enfer. Quand, le 24 avril 1864, Baudelaire gagne Bruxelles, il compte récupérer beaucoup d'argent, et il en a besoin plus que jamais. Il lui faut envisager de faire une tournée de conférences. Il espère aussi y trouver un éditeur pour la publication de ses œuvres complètes. Mais il n'y rencontre qu'une très grande avarice, dont il se plaint dans une lettre à sa mère du 6 mai 1864. Il cherche à se venger en entreprenant d'écrire une manière de pamphlet, un ouvrage inachevé de sinistre dérision, pour lequel il envisage les titres de Pauvre Belgique ou La Belgique déshabillée.
En janvier 1860, une crise cérébrale fugace avait pour la première fois donné l'alerte. Le rhumatisme à la tête ne le quitte plus en Belgique. Lors d'un second voyage, en mars 1866, il est pris à Namur d'un étourdissement qui le laisse à demi paralysé et à peu près aphasique. Le regard d'une fixité navrante frappera tous ceux qui viendront lui rendre visite dans la clinique du docteur Dumas, après son rapatriement à Paris. L'un de ces témoins, Jules Troubat, se rappelle un dîner chez le photographe Nadar, où l'on avait traîné Baudelaire, en janvier 1867. Il en est resté à ces trois mots : Non, cré nom, nom, se rappelle-t-il. Et pourtant la mémoire fonctionne encore : Baudelaire a encore la présence d'esprit de montrer du doigt les poésies de Sainte-Beuve, les œuvres d'Edgar Poe en anglais, un petit livre sur Goya et, dans le jardin de la clinique du docteur Duval, une plante exotique qui lui rappelle sans doute son voyage dans les îles des mers du Sud. Au nom de Manet et à celui de Wagner, il a souri d'allégresse.
Mais l'évolution du mal est irréversible. S'y ajoute une plaie gangréneuse, terriblement douloureuse. Dans ses derniers moments, on a l'impression qu'il ne peut dormir que les yeux ouverts. Il meurt le 31 août 1867 à 11 heures du matin, déjà en état de décomposition physique et si faible qu'il ne luttait plus.

La poétique baudelairienne

Ses refus
L'attitude de Baudelaire peut être négative, polémique même. Ainsi il poursuit de son ironie les prétentions de l'esprit positif et positiviste à envahir le domaine poétique. Il lutte contre ce qu'il appelle l'hérésie de l'enseignement, dont il dénonce les formes les plus insupportables.
Il repousse tout d'abord la volonté d'unir l'art et la science. Dans la Préface des Poèmes antiques, en 1852, Leconte de Lisle avait proclamé que « l'art et la science, longtemps séparés par suite des efforts divergents de l'intelligence, doivent tendre à s'unir étroitement, si ce n'est à se confondre. Baudelaire s'insurge contre une telle tentative, en particulier dans l'article sur Théophile Gautier paru le 13 mars 1859 dans le journal L'Artiste sous le titre L'Art romantique, et repris dans les Notes nouvelles sur Edgar Poe. Pour lui, la poésie ne peut pas, sous peine de mort et de déchéance, s'assimiler à la science .... Elle n'a pas la vérité pour objet, elle n'a qu'elle-même. La vérité n'a rien à faire avec les chansons ; tout ce qui fait le charme, la grâce, l'irrésistible d'une chanson enlèverait à la vérité son autorité et son pouvoir. Froide, calme, impassible, l'humeur démonstrative repousse les diamants et les fleurs de la Muse ; elle est donc absolument l'inverse d'une humeur poétique. Il y a une manière d'incompatibilité d'humeur entre la poésie et la science.
Baudelaire s'acharne encore davantage contre la théorie bourgeoise de la moralité et de l'utilité sociale de l'art. Dans son article sur « Les Drames et les romans honnêtes, en 1851, il s'écrie : il est douloureux de noter que nous trouvons des erreurs semblables dans deux écoles opposées : l'école bourgeoise et l'école socialiste. Moralisons ! Moralisons ! s'écrient toutes les deux avec une fièvre de missionnaires. Naturellement l'une prêche la morale bourgeoise et l'autre la morale socialiste. Dès lors l'art n'est plus qu'une question de propagande.
En cela le prologue des Confessions d'un mangeur d'opium anglais 1822 le gêne. Il le juge artificiel. Thomas de Quincey 1785-1859 n'a cherché en l'écrivant qu'à attirer la sympathie sur lui-même.
Il ne faut donc pas exagérer la position morale de Baudelaire dans le prologue Au lecteur des Fleurs du mal. Sans doute tel péché peut-il se trouver condamné dans tel ou tel poème du recueil ; mais, à d'autres moments, le poète en fera tout aussi bien l'apologie. La femme aimée, quel que soit son nom, est à la fois la créature aux sens insatiables et l'enchanteresse aux bijoux. Baudelaire a la certitude que lorsque le vice est séduisant, il faut le peindre séduisant, mais quand il traîne avec lui des maladies et des douleurs morales singulières, il faut tout autant les décrire. Il se donne pour mission de montrer toutes les plaies, à commencer par les siennes. Nul préjugé moral : l'art ne choque pas la morale.

La question de l'Art pour l'Art

Théophile Gautier 1811-1872 est sans doute épargné par les attaques ou les remarques acerbes de Baudelaire, qui lui rend au contraire hommage dans la dédicace des Fleurs du mal, toujours maintenue en tête du recueil. Pourtant les rapports qu'il entretient avec l'école de l'Art pour l'Art sont complexes.
Sans doute pour lui la poésie n'a-t-elle « d'autre but qu'elle-même, comme il le souligne dans les Notes nouvelles sur Edgar Poe. Mais il est plus nuancé dans sa lettre à Ancelle du 18 février 1861 au sujet de la nouvelle édition des Fleurs du mal. Il lui confie, ou plutôt il lui rappelle que, dans ce livre atroce, il a mis tout son cœur, toute sa tendresse, toute sa religion travestie, toute sa haine. Dire le contraire, ajoute-t-il, ce serait mentir comme un arracheur de dents .
Si, un temps, il a opposé l'art pur à l'art philosophique, il refuse tout aussi bien le formalisme et la plastique. Certes, il lui est arrivé, dans sa jeunesse surtout, de sacrifier au culte de la Beauté, de la concevoir comme un rêve de pierre. Mais la renommée du sonnet qui la célèbre ainsi ne doit pas faire illusion. Baudelaire refuse la poésie purement sculpturale et le néo-paganisme comme il écarte en peinture l'ingrisme et la réduction à l'épure de la ligne. Il glorifie au contraire le colorisme symbolique.
La folie de l'art est égale à l'abus de l'esprit : cette formule décisive se trouve dans l'article de 1852 contre l'École païenne. La poésie, refusant les impuretés, mais refusant aussi de se réduire à une pure technique, atteint, au-delà de l'enseignement et au-delà de la forme, la spiritualité magique. Elle est la quête perpétuelle, tantôt comblée, tantôt angoissée et frustrée, d'un paradis de l'âme, en face duquel les paradis artificiels ne sont qu'une approximation bâtarde. Le secret douloureux dont parle le poème La Vie antérieure est le désir de parvenir à l'état suprême d'élévation qui permet de planer sur la vie et de comprendre sans effort « le langage des fleurs et des choses muettes, Élévation.
Le passage du réel au magique s'opère à la faveur de l'insolite. Et c'est pourquoi le beau est toujours bizarre, Exposition universelle, 1855. Grâce à la reine des facultés, l'imagination, le poète, en état d'excitation extatique, peut percevoir, en dehors des méthodes philosophiques, les rapports intimes et secrets des choses, les correspondances verticales entre l'univers des formes sensibles et un univers transcendant. Les objets placés sous les yeux humains ne sont que des représentations, des symboles d'une réalité idéale, et la Nature, revêtue de spiritualité, devient un temple aux vivants piliers, Correspondances.
Obtenus naturellement ou acquis artificiellement, ces états d'enthousiasme restent néanmoins passagers. L'analogie, en définitive, est celle qui existe entre l'homme et le monde. Qu'est-ce que l'art pur suivant la conception moderne ?, demande Baudelaire dans l'article L'Art philosophique : C'est créer une magie suggestive contenant à la fois l'objet et le sujet, le monde extérieur à l'artiste et l'artiste lui-même.Telle est peut-être la définition la plus juste de la poétique baudelairienne : le poème, synthèse allégorique des mythes et d'images quotidiennes, est comme une germination intérieure issue de l'échange continu des spectacles et des sentiments, germination verbale et rythmique aussi dans le contrepoint incessant du concret et du symbolique.

Pour une poétique universelle

Pour Baudelaire, la poésie verbale n'est qu'une des expressions techniques possibles de la poésie universelle qu'il recherche à l'horizon de sa quête esthétique. Lui qui a été si sensible à la peinture et même à la musique ne conçoit pas la poésie comme différant dans son essence des autres arts. La révélation des correspondances horizontales, confortée par l'expérience des paradis artificiels, fonde une poétique de l'analogie universelle : Les parfums, les couleurs et les sons se répondent Correspondances. Il existe de subtiles affinités entre la peinture et la musique. Dans le compte rendu de l'Exposition universelle de 1855, il note de l'œuvre d'Eugène Delacroix ces admirables accords de sa couleur qui font souvent rêver d'harmonie et de mélodie, et l'impression qu'on emporte de ses tableaux est quasi musicale. Dans le poème Les Phares, ces arrangements éveillent les fanfares étranges qui passent, comme un soupir étouffé de Weber.
La conséquence de cette révélation est double. D'une part, la poésie aura pour charge de traduire les correspondances entre les sensations, soit qu'elle les explique, soit qu'elle en use, en inventant des alliances de mots hardies : les parfums verts de Correspondances, les cheveux bleus de La Chevelure sont des illustrations exemplaires d'une telle poétique du transfert, fondée sur le sens des synesthésies. De même que : je buvais ton souffle, dans Le Balcon, ou ta salive qui mord, dans Le Poison.
La poésie doit elle-même entrer en correspondance avec les autres arts. Ainsi se justifie la tentative baudelairienne de traduire en mots la poésie colorée de Rubens, de Delacroix, ou celle, musicale, de Wagner. La pièce la plus significative à cet égard est Les Phares, qui déroule une série de huit médaillons en forme de quatrains : chacun est consacré à un artiste, jusqu'aux trois derniers qui donnent sa conception de l'Art. Baudelaire ne se soucie pas ici de décrire des toiles où figureraient les éléments visuels qu'il égrène le lac de sang pour Delacroix, le triste hôpital pour Rembrandt. Il procède bien plutôt par métaphores suggestives. Ainsi l'image du miroir, associée à Léonard de Vinci, évoque sa lumière, polie comme un reflet sur la toile.
La plastique est rejetée, mais les arts plastiques sont conviés, en particulier dans Les Fleurs du mal où sont transposées des œuvres précises : le poème Bohémiens en voyage est écrit d'après une estampe de Jacques Callot ; Don Juan aux enfers, d'après une lithographie de Guérin ; Duellum, d'après le caprice 62 de Goya ; Une gravure fantastique, d'après une eau-forte de John Hamilton Mortimer ; Le Masque, d'après une statue allégorique d'Ernest Christophe dans le goût de la Renaissance ; Danse macabre, d'après une autre statue du même sculpteur.

Le roman esquivé

On a pu s'étonner que Baudelaire, admirateur d'Edgar Poe, mais aussi de Hoffmann et de Balzac, ait peu produit en matière de littérature narrative. Pourtant, il a médité sur les problèmes du roman, distinguant par exemple entre les romanciers forts et les romanciers curieux quand il a présenté sa traduction de La Révélation magnétique de Poe aux lecteurs de La Liberté de penser le 15 juillet 1848. On pourrait tirer de ce texte et d'autres les éléments d'une poétique baudelairienne du roman.
Mais que reste-t-il des projets inaboutis qu'il a eus ? Le Jeune Enchanteur 1846, longtemps tenu pour une œuvre originale, n'est que la traduction d'un texte anglais découvert dans un keepsake et probablement dû au révérend Croly. Seule La Fanfarlo échappe à ce qui ne serait qu'une absence du roman dans l'œuvre de Baudelaire. Publiée en 1847 dans le Bulletin de la Société des gens de lettres, cette nouvelle est encore signée Charles Defayis. Samuel Cramer, le protagoniste, est immédiatement présenté comme l'homme de belles œuvres ratées, victime du dieu de l'impuissance. Baudelaire, qui s'est dépeint sous ces traits, connaît les affres d'une telle impuissance en matière de récit et de roman.
On a conservé de lui des listes de titres et canevas de romans et de nouvelles. L'un de ces projets, Le Marquis invisible, est considéré par lui-même comme très important. La Ciguë islandaise revient avec insistance. Il envisage un roman sur les Derniers Hommes, où l'on retrouverait en eux et autour d'eux les mêmes vices qu'autrefois. L'Automate semble dans le sillage de Poe. Et on voit reparaître ou apparaître la Sisina des Fleurs du mal, ce qui prouve qu'il n'y a pas de rupture absolue entre l'œuvre poétique de Baudelaire et ses projets romanesques. D'une manière générale, il veut trouver des aventures horribles, étranges, à travers les capitales.
Claude Pichois a fait observer que, pour un certain nombre de sujets, Baudelaire semble avoir hésité entre le genre du poème en prose et celui de la nouvelle ou du récit. On peut faire observer que, dans l'autre sens, les petits poèmes en prose de Spleen de Paris pourraient être les résidus d'une entreprise romanesque au moins latente.
Pour le comprendre, il convient de se reporter à la dédicace à Arsène Houssaye pour Le Spleen de Paris et, plus encore, au canevas de cette dédicace. Elle commence là où finit le Tristram Shandy (1760-1767) de Laurence Sterne, que Baudelaire connaissait : Sans queue ni tête. Tout queue et tête. Ces notations liminaires livrées à l'état brut renvoient vraisemblablement à l'équivoque obscène et grossière sur laquelle Sterne avait choisi d'achever son roman. Elles renversent le goût qu'eut Baudelaire pour ce romancier à beaucoup d'égards déconcertant. Samuel Cramer a plaisir à jouer avec lui dans La Fanfarlo. Lui aussi, d'une autre manière, dans l'un de ses petits poèmes en prose, Les Bons Chiens, où il s'adresse à Sterne, celui du Voyage sentimental en 1768 et celui de Tristram Shandy. Il le salue à la fois comme sentimental farceur et comme farceur incomparable. Ailleurs, il lui emprunte l'histoire de cet âne auquel fut offert un macaron et qui s'en délecta.
Michel Butor a eu raison de mettre l'accent sur la dédicace à Arsène Houssaye, en tête du recueil Le Spleen de Paris, où Baudelaire indique qu'il ne suspend pas la volonté rétive de son lecteur au fil interminable d'une intrigue superflue. Cela signifie bien, comme l'écrit l'auteur des Essais sur le roman en 1969, que ces petits poèmes en prose contiennent un roman, mais que Baudelaire a retranché tout ce qui n'était pas immédiatement poétique. À s'en tenir à la poésie pure, si elle est concevable, on risque de négliger l'aspect narratif de ces cinquante morceaux, de mettre l'accent sur les premiers en négligeant ceux qui, plus tardifs, tournent à l'anecdote, au conte, ou même à la confidence autobiographique.
Le plus frappant à cet égard est précisément le dernier, Les Bons Chiens, celui que Baudelaire a placé sous le signe de Sterne en s'adressant directement à lui comme Tristram Shandy le faisait dans le célèbre roman, qui correspond aussi à une expérience des limites du genre romanesque. Ce texte, lié au premier séjour en Belgique, a paru pour la première fois dans L'Indépendance belge le 21 juin 1865. Il est dédié à un artiste bruxellois, Joseph Stevens, qui s'était fait une spécialité de la peinture animalière et qui avait représenté en particulier des chiens. Baudelaire évoque leur relation, relate le don que le peintre lui avait fait un jour de son gilet, tout en poursuivant sa rêverie. Que le poète endosse le gilet du peintre, comme il y insiste dans les dernières lignes, cet échange pourrait être intégré à un roman de l'artiste. Mais c'est le signe aussi de la proximité entre création poétique, critique artistique et confession personnelle, toutes tentations qui s'exercent concurremment et harmonieusement sur Baudelaire. De même, dans un autre de ces petits poèmes en prose qui, à beaucoup d'égards, s'apparentent à des Fantasie stücke ou des Nachtstücke, trois autres tentations, Éros, Plutus et la Gloire montent dans la nuit, tel L'Homme au sable en 1817 de Hoffmann, l'escalier mystérieux par où l'enfer donne assaut à la faiblesse de l'homme qui dort, du poète qui finalement les repousse.
Si l'on revient au poème placé en tête du recueil Le Spleen de Paris, L'Étranger qui aime les nuages, les merveilleux nuages, on comprend aisément que c'est une manière d'autoportrait. La découverte à Honfleur des peintures d'Eugène Boudin (1824-1898), le roi des ciels comme l'appelait Corot, décrites dans le Salon de 1859, tous ces nuages aux formes fantastiques et lumineuses, permet déjà de réunir en Baudelaire et le narrateur, et le poète et le critique d'art. Ne sommes-nous pas d'ailleurs au seuil d'un roman du poète, d'un récit tour à tour dramatique l'étude du beau qui est un duel dans Le Confiteor de l'artiste), exaspéré (Un plaisant , Le Chien et le flacon, hanté La Chambre double, allégorique Chacun sa chimère, vengeur (Le Mauvais Vitrier , Assommons les pauvres), confidentiel (la confession d'un solitaire dans À une heure du matin, dans Les Foules ou dans Les Fenêtres), tendu par un vœu puissant Any Where out of the World). Même l'ironie mordante n'y fait pas défaut qui, digressions et brisures en moins, n'est pas sans rappeler encore la manière de Sterne : Mademoiselle Bistouri pourrait avoir sa place auprès du docteur Slop ou de la sage-femme de Shandy Hall, et les chimères elles-mêmes ne sont pas sans analogie avec les dadas (hobby-horses) du père de Tristram.

Baudelaire fut-il aussi stoïque que le bouffon Fancioulle dans Une mort héroïque ? Il y écrit que l'ivresse de l'art est plus apte que toute autre à voiler les terreurs du gouffre ; ... le génie peut jouer la comédie au bord de la tombe avec une joie qui l'empêche de voir la tombe, perdu, comme il est dans un paradis excluant toute idée de tombe et de destruction. Les notes sombres abondent pourtant dans une œuvre qui ne se réduit pas à un cimetière éclairé par la lune, mais où la menace semble la condition de l'émerveillement. Peut-être cette autre alliance est-elle celle qui fait la force et le prix de son œuvre.

Liens
http://youtu.be/qbAlqvHE0Ao Le procés des fleurs du mal
http://youtu.be/Y8M3L-RHE_o Chant d'automne
http://youtu.be/VvIIoNmTidM La vie antérieure par Léo ferré
http://youtu.be/TwkTPJoWbyQ sa vie
http://youtu.be/k50-xrloE2U La modernité dans la poésie de Baudelaire
http://youtu.be/CQBbzO3DHtc Spleen et idéal
http://youtu.be/rYPUs1S9YPc Les fleurs du mal le procès
















































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Le 31 août 12 à Antium naît Caligula, en latin : caïus* Caesar*Augustus*

Germanicus,

troisième empereur romain, régnant de 37 à 41, succédant à Tibère. Il meurt, à 28 ans, assassiné par plusieurs membres de la garde prétorienne le 24 Janvier 41, à Rome. Après un début de règne prometteur, où il est en grande faveur auprès du peuple romain, il devient peu à peu un empereur autocratique, délaissant et assassinant ceux qui avaient soutenu son ascension, tout en nourrissant une grande haine pour le Sénat. Il est inhumé dans le mausolée d' auguste, il est le fils de Germanicus et Agrippine l'aînée, il épouse Junia Claudilla de 33 à 34, Livia Orestilla de 37 ou 38,
Lollia Paulina en 38 puis Cæsonia Milonia jusqu'à sa mort.

En bref

Empereur romain de 37 à 41 après J.-C,Caius Julius Caesar Germanicus, arrière-petit-fils d'Auguste, et fils de Germanicus et d'Agrippine l'Ancienne, sa jeunesse et la séduction de sa personne, ainsi que la mémoire de son père, lui valurent une immédiate popularité lorsqu'il succéda à Tibère. On attribue à une maladie grave qui le frappa en octobre 37 le brusque changement de son caractère. Le monde romain, soumis à cet empereur psychopathe, entra dès lors dans une ère d'extravagances qui suscita de violentes réactions. Le règne de Caligula fut riche en complots ; le dernier, fomenté par les tribuns des cohortes prétoriennes, lui fut fatal. Il connaît très jeune la vie des camps avec son père Germanicus ; il y reçoit le surnom de Caligula ou petit brodequin. Protégé par Tibère, il est considéré comme son héritier après la conjuration de Séjan. À la mort de l'empereur, en 37, il est acclamé par les troupes de Misène, et sa désignation est confirmée par le Sénat et par le peuple. Peu préparé à sa nouvelle tâche, mal entouré, trop jeune pour être sûr de lui-même mais profondément imbu des prérogatives de sa fonction, il mène une politique peu cohérente qui mécontente rapidement une grande partie des milieux dirigeants. (C'est, du reste, leur opinion défavorable qu'a transmise l'historiographie romaine.) Très hostile au Sénat, il cherche par des mesures démagogiques à trouver des compensations dans la plèbe de Rome ; porté aux innovations venues d'Orient, il choque par son attitude religieuse (il apparaît costumé en Jupiter ou en Hercule et veut qu'on le compare à Neptune). Sa politique extérieure reste pacifique et prudente malgré l'annexion de la Maurétanie. Répandant la terreur par des procès de lèse-majesté, il doit déjouer de nombreux complots ; il ne peut éviter celui que fomentent des tribuns des cohortes prétoriennes, qui l'assassinent le 24 janvier 41. Caligula disparaît sans avoir assuré sa succession.

Son enfance

Caius Augustus Germanicus, Caligula petite sandale en latin, fils du très populaire Germanicus et d'Agrippine l'Aînée, naît la veille des calendes de septembre en l'an 12, sous le consulat de son père et de C. Fontenius Capito. Il est le petit neveu et aussi le fils adoptif de l'empereur Tibère, lui-même beau-fils et fils adoptif de l'empereur Auguste. Caligula est aussi l'arrière-petit-fils en ligne directe d'Auguste par sa grand-mère Julie; Par sa seconde grande-mère Antonia, il est un descendant de Marc-Antoine. Il a cinq frères et sœurs : Nero Iulius Caesar, Drusus III, Drusilla, Agrippine la jeune et Julia Livilla.

Selon Suétone, ce n'est que vers l'âge de deux ans qu'il fut envoyé en Germanie rejoindre sa famille. Enfant, il accompagna sa mère qui suivait souvent son père dans les camps militaires et ses bottines adaptées à ses petits pieds lui ont valu le surnom de Caligula, diminutif de caliga, qu'il finit par détester. Il fit partie du voyage vers la Syrie, qui vit la mort de son père. À son retour, il fut d'abord confié à sa mère, Agrippine l'Aînée, puis, après la relégation de celle-ci à sa bisaïeule Livie. En 29, à la mort de cette dernière, il prononça son éloge funèbre et fut recueilli par sa grand-mère Antonia, avant de rejoindre finalement Tibère5.

La succession de Tibère

Tibère avait assigné sa succession conjointement à son propre fils Gemellus et à Caligula, qui se fit seul reconnaître par le Sénat en l'an 37. Le nouvel empereur adopta d'abord Gemellus, avant de le faire exécuter en 37 ou 38 pour un obscur complot.

" Lui succéda Caius, fils de Germanicus et d'Agrippine, que l'on nommait aussi Germanicus et Caligula. Tibère avait en fait laissé le pouvoir suprême à son petit-fils Gemellus ; mais Caius fit parvenir au Sénat les dispositions testamentaires par l'intermédiaire de Macron, les rendit caduques grâce à l'intervention des consuls et grâce à d'autres qu'il avait placés là à cet effet, invoquant la folie du testateur qui remettait les rênes à un enfant qui n'avait même pas encore le droit d'entrer dans la salle du Conseil. C'est ainsi que promptement, à cette époque, Caius lui enleva le pouvoir ; et plus tard, bien que l'ayant adopté, il le fit assassiner. "

Pendant six mois, les Romains purent se féliciter d'un empereur juste, utile et libéral, qui leur faisait oublier la sinistre fin du règne de Tibère. Pour ses premières actions, le Sénat lui décerne un bouclier honorifique en or, que, tous les ans, les collèges des pontifes devaient porter au Capitole, suivis du sénat et de la jeune noblesse qui chantait des hymnes à sa louange. Son règne bascule par la suite dans la démesure. Ce changement a longtemps été mis sur le compte d'une grave maladie à l'automne 37 mais une analyse minutieuse montre qu'elle n'entraîne aucun changement politique significatif.

Son règne

Dès lors il s'achemina comme son grand-oncle vers le despotisme, s'adonnant, selon certaines sources, à la débauche, on lui prête entre autres une longue liaison incestueuse avec sa sœur Drusilla, qui pourrait trouver sa source dans la volonté d'imiter les mariages consanguins égyptiens et la tentation du despotisme oriental.
Le prince descendait d'Antoine, et l'on connaît la fascination qu'exerçait sur ce dernier la monarchie à l'orientale. Certains assurent qu'il était en fait déjà atteint psychologiquement avant son avènement, mais que, le pouvoir aidant, il devint vite un empereur tyrannique et mégalomane, se prenant pour Jupiter. Cependant, de nombreux historiens et écrivains modernes s'interrogent sur la folie réelle du jeune empereur. L'étude des sources anciennes remet en question la théorie de l'empereur fou. Son court règne concorde avec la première tentative de divinisation d'un prince vivant, sur le modèle des monarchies hellénistiques.

Il ridiculisa le Sénat et l'institution des consuls, notamment en prostituant les épouses des sénateurs, fit assassiner ou bannir la plupart de ses proches, et on l'accuse encore de s'être amusé à faire pratiquer d'horribles tortures en plus de meurtres arbitraires. La principale source sur son règne, Suétone, est cependant très partisane, les méthodes de Caligula ne différant guère de celles de la plupart des Princeps. Il se concilia cependant le peuple notamment avec les jeux du cirque.
C'est sous son règne qu'eurent lieu les émeutes anti-juives d'Alexandrie 38-40, un épisode relaté par Philon d'Alexandrie dans Légation à Caius.

La chute

Une dernière conjuration eut enfin raison du princeps : en l'an 41, après trois ans dix mois et huit jours de règne selon Suétone, il fut assassiné dans sa 28e année par les soldats de sa garde, sans que l'on sache qui était le commanditaire. Selon toute vraisemblance, il s'agissait d'un meurtre domestique plus que politique. Le Sénat, probablement après des accords plus ou moins discutables, accorda le principat à son oncle Claude. Celui-ci épousa plus tard une autre sœur de Caligula, Agrippine la Jeune, la mère du futur Néron, le dernier des Julio-Claudiens.

Arbre généalogique des Julio-Claudiens

Plutôt que de le considérer comme un fou, un grand nombre de spécialistes et d'historiens modernes voient en lui les symptomes d'une maladie bien connue et assez bien diagnostiquée de nos jours : la Schizophrénie.

Sur Caligula Caligula devant l'Histoire

Juste après Tibère, Caligula, toujours de la même famille impériale, les Julio-Claudiens, est un autre exemple extrême de l'étonnant système politique romain. La succession familiale l'avait placé sur le trône, les institutions ne pouvaient l'en déloger et les conjurations ne purent jamais l'abattre : séduit par l'Orient, il comptait régner à Rome comme un prince oriental qui, à l'exemple d'un Dieu vivant, dispose de ses sujets comme des objets et n'a de compte à rendre à personne.

Portrait

"Caligula avait la taille haute, le teint livide, le corps mal proportionné, le cou et les jambes tout à fait grêles, les yeux enfoncés et les tempes creuses, le front large et torve, les cheveux rares, le sommet de la tête chauve, le reste du corps velu ; aussi, lorsqu'il passait, était-ce un crime capital de regarder au loin et de haut ou simplement de prononcer le mot chèvre, pour quelque raison que ce fût.
Quant à son visage, naturellement affreux et repoussant, il s’efforçait de le rendre plus horrible encore, en étudiant devant son miroir tous les jeux de physionomie capables d’inspirer la terreur et l’effroi. "
— Suétone, Vie des douze Césars, Caligula 50

Cette description physique émise par Suétone au sujet de l'empereur Caligula est extrêmement riche et sombre : le polygraphe, dans son œuvre, le décrit pareil à une chèvre, monstrueux, afin d'accentuer l'horreur de ses actions commises durant son règne.
Cette description ne peut évidemment pas être prise au premier degré, elle est une caricature évidente. On connaît le portrait de Caligula grâce à des bustes de marbre ou grâce aux portraits monétaires.
Pour beaucoup, à l'instar de Néron mais bien avant lui, Caligula restera dans l'histoire comme l'archétype de l'empereur fou, à travers le portrait peu flatteur qu'en ont fait ses biographes, en particulier l'historien Suétone.
Pourtant si on la détaille, cette folie, réelle ou feinte, s'apparente plus à une longue suite d'impertinences et de provocations :

Son obsession de la décollation :

" Si seulement le peuple romain n’avait qu’un seul cou ! " ;
Chaque fois qu’il embrassait le cou de son épouse ou d’une conquête passagère, il ajoutait de façon cynique :
" une si jolie nuque sera tranchée dès que j’en donnerai l’ordre !";
Lors d'un festin, il se mit à rire aux éclats et répondit aux deux consuls placés près de lui qui lui en demandaient avec ménagement la raison :
" Quand je pense que sur un seul geste de moi vous pouvez être égorgés tous les deux à l’instant !"

Une folie nommé Incitatus.

À son cheval favori Incitatus, outre une écurie de marbre et une mangeoire en ivoire, il fit donner une troupe d’esclaves et du mobilier. On dit même qu’il projetait de le faire consul, mais qu'il voulut faire, vraiment, de son cheval favori un consul n'est certainement qu'une légende.
"La veille des jeux du cirque, indique Suétone, pour que son cheval Incitatus ne fût pas troublé dans son repos, il avait coutume de faire imposer le silence au voisinage par des soldats ".
Ce serait la veille de cette nomination supposée que sa garde prétorienne l'aurait assassiné.

Ses phrases restées célèbres

" Oderint, dum metuant :Qu'ils me haïssent, pourvu qu'ils me craignent ! "
Il s'agit là en fait d'une reprise par Caligula d'une phrase célèbre de son prédécesseur l'empereur Tibère Oderint, dum probent ,
"Qu'ils me haïssent pourvu qu'ils m'approuvent "
la version de Caligula, avec metuant, est empruntée à la tragédie Atrée de Lucius Accius ; Tibère en avait quelque peu atténué la violence. Cette phrase est également sa devise ;
"Le pouvoir donne ses chances à l'impossible." La phrase d'origine complète étant : "J'aime le pouvoir car il donne ses chances à l'impossible."
"Si le peuple ne pouvait avoir qu'une seule tête. "

Noms et titres Noms successifs
12, né CAIUS•IULIUS•CAESAR•GERMANICUS
37, accède à la pourpre : CAIUS•CAESAR•AUGUSTUS•GERMANICUS

Titres et magistratures

En 34, il reçoit les titres de Pontifex maximus et de Pater patriae
Consul en 37 et 38
Détient la puissance tribunicienne à partir de 40 renouvelée annuellement le 28 mars
Acclamé Imperator lors de son avènement en 37

Titulature à sa mort
Quand il fut assassiné en 41, Caligula avait la titulature suivante :

CAIVS•CAESAR•AVGVSTVS•GERMANICVS, PONTIFEX•MAXIMVS, TRIBVNICIA•POTESTATE IIII, CONSVL•IIII, PATER•PATRIAE
Caius César Auguste Germanicus, pontife suprême, investi de la puissance tribunicienne pour la 4e fois, consul pour la 4e fois, père de la Patrie.

Œuvres artistiques inspirées de sa vie

Albert Camus a écrit une pièce de théâtre, Caligula où l'on assiste à la réalisation d'un homme contre un monde qui ne lui offre aucun espoir. La mort de Drusilla, son amante et sa sœur, amène Caligula à la conscience de cette vérité - les hommes meurent et ne sont pas heureux, et le jeune homme sensible qu'il était devient un monstre d'une insatiable cruauté. Camus aborde notamment dans cette œuvre le thème des limites de la liberté absolue, celle que confère le pouvoir le plus absolu qui soit. Caligula s'est proclamé dieu. Il n'y a aucune entrave à l'exercice de sa liberté, et il l'exerce pleinement, sans aucune mesure. Mais cette liberté entre en contradiction avec son être, avec sa vie même. Et cette contradiction, selon la promesse de Caligula, devra être résolue.
Hubert Monteilhet a écrit un roman historique, Neropolis. Roman des temps néroniens, dont la première partie se déroule sous Caligula et dans lequel l'un des protagonistes a à souffrir du regard que l'Empereur a posé sur lui.
La journaliste Cristina Rodriguez et l'historiographe Domenico Carro ont publié il y a peu un roman historique, Le César aux pieds nus, retraçant la fin du règne de Tibère et la jeunesse de Caligula. Cet énorme ouvrage, preuves archéologiques et historiques à l'appui, montre Caligula sous un jour nouveau.
Nicolas Le Riche, danseur étoile à l'Opéra de Paris, a créé en 2005 un ballet en cinq actes inspiré de la vie de Caligula.
En 1979, sort Caligula, un film de Tinto Brass avec Malcolm McDowell dans le rôle titre. Ce film fut produit par Bob Guccione, éditeur et propriétaire de Penthouse, aussi contient-il des scènes à caractère pornographique. On y retrouve également des acteurs « classiques » britanniques comme Peter O'Toole, John Gielgud ou Helen Mirren.

Liens

http://youtu.be/yIvEiNKsMnA Caligula
http://youtu.be/NTWhsWIrq28 Caligula l'empereur fou
http://youtu.be/GJfODxolsno Caligula le fou en Anglais
http://youtu.be/V44EaFZuPoQ Caligula le roman































[img width=600]http://www.independent.co.uk/migration_catalog/article5160487.ece/alternates/w620/Caligula%20(1979)%20.jpeg[/img]

Martine

Assise à mon bureau, je consulte mon agenda. Un rendez-vous a été fixé à neuf heures avec une certaine Martine Delahaye. Je prends sa fiche de renseignement qui a été complétée lors de sa présentation à une de nos permanences afin de solliciter une médiation de dettes : une dame de soixante ans, veuve depuis peu et qui a accumulé quelques retards dans ses factures et son crédit. Bref, un profil relativement classique. Face aux accidents de la vie, les budgets se fragilisent et ceux qui étaient sur le fil du rasoir basculent dans l’endettement.

Un coup de téléphone m’annonce que la dame est arrivée en salle d’attente. J’emporte mes feuilles, un stylo et ma fidèle calculatrice puis pars à la rencontre de mon rendez-vous. Elle me suit jusqu’au bureau d’entretien où nous nous installons face-à-face. Son visage m’est étrangement familier. Elle est brune, les cheveux attachés en queue de cheval, de grands yeux noisette, un sourire amical et des joues rebondies. Comme je la dévisage silencieusement, elle m’interpelle :

« Mon visage ne vous est pas inconnu ?
– En effet. Mais je ne parviens pas à déterminer d’où je vous connais.
– Je suis Martine, La Martine !
– Lamartine ? Je ne vois pas le lien avec le poète…
– Non, l’héroïne de bandes dessinées.
– Le personnage crée par Gilbert Delahaye ?
– Oui, c’était mon père. Il s’est inspiré de mon enfance pour écrire ses albums.
– C’est fou ! J’ai lu tous ses livres. Vous êtes une vraie célébrité.
– Oui, tout allait bien tant que j’étais petite. À l’adolescence, je suis devenue une sorte de hippy, ce qui ne correspondait plus du tout à l’image de la petite fille bourgeoise parfaite. Mon père a donc pris un autre modèle, la fille de nos voisins qui était plus jeune. Nous avons alors perdu notre complicité. Nous ne nous comprenions plus. Pourquoi laissait-il son personnage figé dans une réalité édulcorée, utopique alors que la société changeait ?
– Et qu’êtes-vous devenue ?
– J’ai fait des études de marketing et j’ai naturellement été engagée par les éditions Casterman pour m’occuper de la promotion des livres de mon père et des autres. Mais à son décès, c’est le fils de l’illustrateur qui a pris le relai et j’ai été écartée de leurs projets. Mais je touche encore des droits d’auteur.
– J’ai une petite question personnelle. Dans l’histoire, le petit Simon était amoureux de vous. Existait-il ?
– Bien sûr et nous nous sommes mariés. Nous avions partagé tant de choses pendant l’enfance, qu’une grande complicité nous unissait. Plus tard, mon père s’est inspiré de notre petite fille pour quelques unes de ses histoires. Nous avons eu une vie de couple sans histoire jusqu’à sa disparition il y a quelques mois. C’est lui qui gérait nos comptes et je me sens perdue face aux factures qui s’accumulent.
– Bon, voyons cela ensemble. »

Nous commençons par analyser son budget. Ce dernier fait état d’un poste « loisirs » assez élevé. Lorsque je fais la remarque Madame Delahaye, elle me répond :

« Oui, j’avoue avoir toujours conservé le même train de vie que dans ma jeunesse. Vous vous souvenez de Martine prend l’avion, Martine monte à cheval, Martine en voyage, Martine à la montagne, Martine en bateau, Martine fait de la voile ? Et bien, rien n’a changé ! Je pratique encore toutes ces activités.
– Mais avec votre seul revenu, vous ne pouvez plus tout assumer. Il va falloir faire des choix. »

Après une longue discussion, nous mettons en place des solutions pour que le crédit de la décapotable, les dernières factures de téléphone et les impôts puissent être payés par mensualités.

Quelques mois plus tard, je reçois un colis. Il contient un album dédicacé de la main de Martine ainsi qu’un ticket pour visiter une exposition consacrée à l’œuvre de Gilbert Delahaye. Je remets le livre à ma petite de dix ans, qui l’ajoute à sa collection et nous programmons le jour de notre visite à l’exposition. Voilà des cadeaux d’une valeur inestimable, souvenirs d’une rencontre pour le moins inattendue.

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